细节中藏着人们对上海的真实感受。

最近，我们用AI制作了一部关于上海的宣传片。

第一批画面来得很快。人物有漂亮的脸孔，街道整洁气派，高楼、霓虹、玻璃幕墙一应俱全。把这些素材剪在一起，却总觉得哪里不对。那些人物的神态和动作似曾相识，街道也干净得近乎失真。它看起来像上海，却又和真实的上海隔着一层。

好在还有创作时间，我们调整剧本、重新设计分镜、走进街区采风、补拍真实场景，再一轮轮调整人物、动作和空间。后面花费的时间，几乎都用来修正最初那个顺眼的答案。我们想找回一杯咖啡端上桌时的停顿，玻璃幕墙里一闪而过的人影，陌生人问路时身体微微前倾的姿态……这些细节中藏着人们对上海的真实感受。

今年世界人工智能大会期间，我参加了“从量产到精品——AI赋能影视内容创作新生态论坛”。不久前，人们还在关心AI能否产出稳定、连贯的影像。今天，影视行业讨论的重心已经发生变化——生产能力快速提升，当每个人都可以迅速获得画面，什么样的作品还能被记住？

技术降低了影像制作的门槛，也让想象力的贫乏更容易暴露。一个平常的想法，过去或许还能藏在制作规模和技术难度后面，获得一句“画面挺漂亮”的赞叹。今天，创作者的眼光再也无法含混过去。一个普通的想法会迅速变成几十个彼此相近的“漂亮”方案，让人无从评价，也很难记住。

“差不多”越来越容易

AI很擅长给出一个“差不多”的答案。

它知道某类影视作品常用怎样的构图，某一种情绪适合什么色调和音乐，某一个情节大致应该具备哪些视觉标志……它给出的答案通常规范、完整、顺眼，很少出现明显错误。第一眼看到AI完成的图片和影像时，甚至会让人产生一种错觉，仿佛作品已经完成了大半。

危险也在这里。

创作者一旦过早接受第一个答案，作品便很容易停留在“看上去不错”的阶段。仿佛每一处都说得过去，合在一起却总差点意思。而创作中最困难的部分，往往就是在第一批画面出现之后才开始——人物表情略显空泛、动作缺少个性特点、环境少了一点生活痕迹、情绪铺得太满……都需要创作者去辨认。随后是反复取舍、修正和重做，把“大概正确”的画面一点点推向“具体准确”，找到真正属于这部作品的气息。

这种能力决定了作品能否拥有今天大家常说的“活人感”。

“活人感”是一个口语化的词，却点中了AI影像的要害。观众能够从作品中感到一个具体的人，感到他的经验、趣味、犹疑和判断，作品便有了生命留下的痕迹。

过去看到一部好电影，我们往往不用看演职人员表，也能猜出创作者是谁。王家卫有王家卫的气息，韦斯·安德森有韦斯·安德森的趣味；王家卫反复书写人与人的相遇和错过，韦斯·安德森习惯把笨拙、孤独和失落安放在秩序井然的画面中。一个创作者的风格来自长久的生活积累和观看方式，他们凝视怎样的生活，关心什么样的人，对什么样的处境感到喜悦和不安，又愿意把时间交给哪些瞬间，最终都会进入作品，成为他们区别于他人的印记。

最好的语料在生活里

众所周知，AI是从已经被拍摄、书写和传播的材料中学习的。

如果输入“上海”，高楼、外滩、霓虹和标志性建筑很快就会出现，这些画面汇集的是以往大家曾用怎样的方式观看和表现上海。这些画面都没有错，但现实生活却一直在变化。许多新鲜、细微、尚未被命名的经验，还来不及进入公共图像和视频。创作者回到现实中，才有机会看见已有材料之外的生活。

这次宣传片制作中，地标并不难处理，真正困难的是人物与城市的关系。一个刚刚抵达上海的人会怎样观察周围？他在机场、酒店、街区和展馆中的动作有什么差别？遇到陌生人时又会有怎样的神情？人物和街道可以各自漂亮，但如果彼此缺少真实联系，城市仍然只是一个背景。

传统影视拍摄中，演员从进入创作开始，便参与了人物形象的创造。演员对角色的理解会融入他的每一个动作和表情，不管是微笑、站立、行走、转身、握手，演员都在用自己的身体设计人物。一百个观众心中有一百个哈姆雷特，一百个演员演出来的也是一百个不同的哈姆雷特，同一个人物交给不同演员，会呈现出不同的生命状态。

2017年，演员王骁谈起拍摄《白鹿原》前的一段经历。为了演好白孝武，他提前进入农村生活，跟着老乡下地割麦。他后来发现，生手割完麦子要扔在麦垛上的时候，身体会本能地离麦子远一些；而真正干惯农活的人，会像抱孩子一样把麦子揽进怀里，因为他们对粮食有一种自然的亲近。

把这个细节放在AI时代重新体会，很有意味。AI当然可以做出“抱麦子”的动作，但创作者如果缺少对农村生活的认识和体验，面对任何一种姿态，都可能觉得差不多，也绝对写不出“把麦子抱进怀里”这样准确的提示词。

精品与“差不多”的距离，往往只差这一点。

毋庸置疑，随着技术的发展，AI生成的各种细节越来越自然，而细节背后的劳动经验、生活习惯和人物处境，仍然需要创作者把它们放回人物、叙事和整部作品中衡量，这是细节决定成败的重要因素。

最好的语料永远在生活里。那里有无数人的痕迹和积累，也有无数偶然、矛盾和难以归类的细节。想要创造一个让角色真正生活其中的空间，设计出准确的人物动作，表达出一个抵达内心的微小表情，都需要创作者的生活经验和专业判断。这条经验链条赋予画面可信度，也构成了“活人感”的来源，避免了更多版本的“差不多”。

独创性从提问开始

要创作出精品，得先弄清自己究竟要什么。

如果仅仅让大模型“制作一个未来感的上海”，每个人都会得到差不多的答案——高楼、数据流、无人驾驶、机器人和蓝色光线大概率会同时出现，画面具有未来感，也很容易落入人们对未来城市的共同想象。

当创作者开始追问自己如何认识未来的上海，画面的方向才会发生变化。

上海的未来感究竟体现在哪里？它是体现在一栋宏大的建筑中，还是体现在一位外国旅客顺利找到地铁出口的瞬间？未来科技如何进入人的日常，怎样改变人与城市相遇的方式？未来一座城市的开放，又如何通过街头巷尾的生活细节来体现？

这些问题来自创作者所处的位置、积累的经验和长期的价值关切，也决定了作品最终看见什么、表达什么、忽略什么。独创性往往从一个真正属于自己的问题开始，这个问题的切入点可能是微小的、具体的，也可能是宏大的、抽象的，但必须是创作者真正关心、感兴趣的角度。顺着这个问题持续追问下去，作品才可能走出既有公共图像的牵引，找到每个创作者自己的观看角度。

过去，拍摄成本和制作周期限制了试错的可能性，而新工具为这种追问提供了更灵活、快速的试验机会。人物和场景可以在剧本尚未完全确定时提前测试，剪辑中发现问题，也可以返回前面补写和调整。有青年导演将这种方式称为“可无限回溯的交替式生产”。一个人物先出现在画面中，创作者看到他的状态，可能随之改变原来的方案；一段偶然出现的影像，也可能打开新的方向。剧本创意、画面制作和后期剪辑彼此影响，作品得以在几轮往返中逐渐成形。

这个现象给创作者带来了新的烦恼，大家突然发现自己面对的选择和判断成倍增加。哪个人物值得留下，哪个动作更接近生活，哪一幅画面真正属于这部作品，都需要作出判断。方案越多，这种判断越重要。

判断来自哪里？判断来自不断地追问和思考。亲手完成一次作品，再回头看它成立或失败的原因，很多问题才会显现。一张画面单独看很漂亮，放进整部作品却可能毫无作用；一个动作技术上很流畅，落到人物身上却可能并不自然。不断追问、持续修改，直到说清一幅画面为何出现、为何留下、为何只能属于这部作品，这些经验很难由教程代替，也比最初的一点新奇更为重要。只有这样，技术带来的效率才有机会转化为作品的品质，实现从量产走向精品。

古人说“外师造化，中得心源”。今天，王家卫和韦斯·安德森的风格都能迅速被模仿，但模仿只能赶上一个人已经完成的样子，却赶不上一个仍在观察、思考和变化的人。

向外观察世界，向内形成判断，再借助技术把判断落实为作品，让自己的认识随着下一部作品不断变化、不断生长……这个过程没有捷径。

而独创性，就在这份无法外包的回答中。

责编：宁静

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来源：上观新闻网